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Bancaja expone por primera vez las obras que el artista concibió en la villa La Californie en Cannes.

En más de una ocasión Pablo Ruiz Picasso calificó los años que pasó en la villa de La Californie como “los más felices de su vida”. Fueron cinco años, desde 1955 a 1960, los que el artista malagueño vivió en la imponente casona con vistas a la bahía de Cannes, con la que fue su amor -el séptimo de ellos- Jacqueline Roque.

La Californie se convirtió en el lugar de inspiración de Picasso, donde vivía, trabajaba, recibía amistades, y que fue, en gran medida, objeto de sus obras durante el lustro que residió en ella. Bancaja recupera ahora con la exposición Picasso. El taller de La Californie (1955-1960) aquellos años de suma felicidad para el artista. Así, hasta el próximo 14 de marzo, el centro cultural de la entidad muestra un total de 40 dibujos realizados por Picasso en la villa francesa, a los que acompañan proyecciones de fotografías, 16 estampas y libros ilustrados por el pintor.

La serie, que fue adquirida en diciembre de 2007 por Bancaja, se expone por primera vez en una muestra que tiene por objeto la propia residencia del pintor en la Costa Azul, y que pretende introducir al visitante en la vida cotidiana del pintor y en su espacio de trabajo.

Según explicó el comisario de la exposición, Juan Carrete, las obras creadas por Picasso durante el lustro que vivió en La Californie se inspiran en artistas como Henri Matisse, Delacroix, Velázquez y Goya.

En cierto modo, parte de las obras que se exponen rinden homenaje a Matisse, quien murió poco antes, y de quien adquirió la alegría de vivir que también le ofrecieron los años en La Californie y que se plasman en su obra, “ausente de figuras terribles”, explica Carrete. Delacroix en cambio seduce a Picasso con “el mundo del harén” turco, que se traduce en una serie de dibujos en los que Jacqueline posa como “una modelo más, quizás la más importante de ese harén”, dijo el comisario.

La exposición muestra, además, las aguatintas de La tauromaquia, las pruebas de estado de linóneos Antes de picar Búcaro con flores y las pruebas de estampación litográfica La caballista y los payasos.
Entre los objetos de la exposición llama la atención también un diminuto libro de seis páginas y del que sólo se editaron 10 ejemplares, con poemas de Jacqueline e ilustraciones del pintor andaluz.

Por su parte, el vicepresidente de la Fundación Bancaja, Vicente Montesinos dijo que Bancaja es la entidad privada con la mayor colección de obra gráfica de Picasso. Además, adelantó que el centro mostrará próximamente antigüedades griegas y etruscas, procedentes del Museo del Louvre de París.

Pero los años más felices de Picasso en la Riviera francesa tenían sus días contados. La especulación urbanística del momento quiso que las vistas de la mansión se vieran enturbiadas por grandes construcciones. El pintor abandonó entonces su paraíso de la Costa Azul.

Más que una sede, la Kurimanzutto será tomada por el artista para una muestra sobre la mística del trabajo.

Cien metros cuadrados de la planta baja de la galería Kurimanzutto fueron cedidos para montar el estudio del artista Carlos Amorales. Desde hace tres semanas, él y sus colaboradores trabajan sobre las paredes de la galería para dibujar a lápiz o fijar esténciles en negro, con un papel italiano. Son cientos de imágenes que, si bien nacieron como animaciones en el estudio original del artista, en este nuevo espacio se desdoblan y superponen. Esto es lo que presentará en la muestra El estudio por la ventana, que mañana inaugura a las 11 horas en Kurimanzutto.No es una copia literal de su lugar de creación, tampoco se trata de “decorar la casa” o “llenarla de dibujitos”, él buscaba llegar a esa intensidad “donde empiezan a ocurrir cosas en el arte”. Amorales se propone con esta exposición analizar el estudio como herramienta -tanto visual como conceptual-. Se trata, en sus palabras, de “hallar la mística del estudio, de sentir la energía de trabajo”.El artista y sus colaborares -diseñadores en su mayoría- replican, reaniman y reubican las animaciones y los dibujos que a lo largo de seis años -desde que Amorales regresó a México tras una década en Europa- han ido formando su archivo líquido. En ese archivo, las imágenes están agrupadas de distinta forma y en la computadora no existen más que digitalmente; ahora en la galería el trabajo ha sido transformarlas en objetos.“La exposición incluye el espacio físico, la fuerza de trabajo, la creatividad de esa fuerza de trabajo: voy dirigiendo con ideas y cada quien va componiendo y haciendo; las herramientas de trabajo son el lenguaje figurativo, los esténciles, los lápices. Es una colectiva”, comenta.Carlos Amorales quería lo básico, la raíz, el dibujo. Su propuesta le hace recordar el trabajo del dadaísta Kurt Schwitters, quien hacía collages con basura y que estuvo alrededor de 15 años transformando su casa en una especie de sala de exhibición escultórica.Esta muestra -la primera de Amorales en el Distrito Federal desde hace cuatro años- aterriza un proceso que inició en 2003, cuando regresó al país y entonces hizo a un lado el performance, creó la disquera Nuevos Ricos -con el músico Julián Lede-, se convirtió en padre y se propuso rebasar la idea de crear arte al ritmo de otros, de la demanda.“Antes era más laptop, el mundo era el estudio. Pero quería basar en un lugar mi energía, darme un tiempo más relacionado a mis decisiones artísticas y menos vinculado con una demanda artística. Me condicionaba el estar de una bienal a otra, de un show a otro, reaccionando en lugar de estar generando a partir de mis propias necesidades creativas”, dice.¡No es comida chatarra!Nacido en 1970, hijo de los artistas plásticos Rowena Morales y Carlos Aguirre, Amorales pone a discusión su propia obra artística. La metáfora de El estudio por la ventana es una forma de expresar que lo que está afuera se refleja adentro de su obra y viceversa.La metáfora dice también que el intercambio es permanente y la pureza niega la esencia misma del arte. Por ejemplo, las palomillas que el propio Amorales hizo para una de sus obras se volvieron una imagen que copió la casa Dior y luego otros diseñadores se la robaron a esa marca. El artista descubrió que esa imagen, multiplicada en vestidos y trajes de baño, en su momento él mismo la había tomado de un libro.En esta muestra y en la que realiza para el Museo Amparo de Puebla -estará ahí a partir de mayo-, Amorales fuerza su lenguaje hacia otros discursos. Quiere tomarse el tiempo para trabajar sobre el espacio que es la propia obra. “A veces hay un sentido casi de comida chatarra, en la forma como tenemos que proceder, llegas a una ciudad y en cinco días tienes que montar, se ha vuelto un proceso muy rápido”, comenta.En el museo de Puebla, Amorales hizo una residencia el año pasado con el fin de hacer obras que dialogaran con la colección. El reto en este caso ha sido la profunda carga de significados que guarda esa colección prehispánica. “Tuve que encontrar una solución para cortar de tajo la historia, hice réplicas que metimos en pintura, y se volvieron juguetes raros, se objetualizaron, se volvieron más importantes formalmente y la pátina de la Conquista, la historia, el sacrificio, se fue. Quiero hacer tábula rasa con los significados. Al mismo tiempo, ciertas obras mías se van a vulnerabilizar. Lo que trato es de poner piezas de arte en discusión”, dice el artista.Con obras en algunas de las colecciones más importantes de arte internacional -las de la Tate Modern, Daros de Arte Latinoamericano, Jumex, Moma de NY, Walker Art Center (Mineapolis) y la del Museum Boijmaans van Beunigen (Rótterdam), entre otras-, Carlos Amorales advierte que si bien en la última década ha ido en crecimiento el mercado del arte, este impacto ha percudido las obras de muchos artistas.“Fuimos una fuerte generación, con distintos puntos de vista. Un grupo que tiene hoy entre 35 a 45 años, que tuvo un impacto en el arte contemporáneo. Para cuando hubo mercado, en el 2000, ese grupo ya había experimentado mucho. Hoy hay más galerías, espacios, accesos, pero creo que a los nuevos les cuesta salir. Los chavos no quieren espacios de artistas, sino una galería. No se vive como vivimos La Panadería. Lo cierto es que hay facilidades para vender y eso ha percutido la obra; de pronto, ha sido dañino. Estamos como en una fase manierista, hay mucha información accesible, pero menos experiencia directa No hay una comunicación entre generaciones, ni relación entre colegas”.Los Nuevos RicosSu estudio y la disquera Nuevos Ricos fueron para Amorales una forma de crearse una relación social con México, tras su vuelta de Holanda. Buena parte de sus trabajos de animación, creados al lado de diseñadores, fueron llevados a los discos. El rock fue para él una suerte de medio de comunicación.“Me permitió hacer eventos, conciertos, trabajar en relación a una juventud y, a la vez, fue un proceso para entender mi propia juventud. Fueron dos años increíbles, muy intensos, pero en noviembre lo finalizamos, para mí perdió su interés, además siento que el rock está supeditado a una moda. Nos hubiéramos especializado y no era la idea. Habíamos entrado a ese medio como cavernícolas y eso nos dio la posibilidad de alimentarnos, inventar maneras de hacer. Cuando algo así envejece pierde su frescura, te vuelves una compañía”.Como pasó con el diseño de la palomilla, en el caso de Nuevo Ricos, la primera compilación fue robada por piratas. En todo caso, cuenta el artista, los piratas la mejoraron. “Cuando nos dieron chance de sacar el disco con EMI, me pirateé las portadas piratas. Lo que creo es que las imágenes circulan, se van y no hay que perder de vista esa expansividad”.El estudio por la ventana abre desde mañana en la galería Kurimanzutto, calle Gobernador Rafael Rebollar 94, colonia San Miguel Chapultepec. Fuente: El Universal.

La exposición ‘Después de la alambrada’ repasa en La Nau la creación de decenas de artistas exiliados tras el golpe franquista.

El arquitecto y pintor Roberto Fernández Balbuena (Madrid, 1891-México DF, 1966) quedó impactado en 1951 por las fotografías que W. Eugene Smith tomó en el pueblo cacereño de Deleitosa y publicó en la revista Life sobre la pobreza extrema en la dictadura franquista. Y en concreto por The wake (El velatorio), estremecedor retrato de las tinieblas en las que se sumergió la España rural tras la Guerra Civil.

Por eso, el artista exiliado, responsable en 1936 del salvamento del tesoro artístico nacional, subdirector en 1938 del Museo del Prado y comisario de la República para la Exposición Universal de Nueva York de 1939, trasladó toda la carga trágica de la imagen a un lienzo titulado El entierro, que desde ayer se muestra en la sede de La Nau de la Universitat de València. Un cuadro que resume en menos de un metro cuadrado la exposición Después de la alambrada. El arte del exilio 1939-1960, que pretende ser, en palabras de su comisario, Jaime Brihuega, “un homenaje emocionado” a la triste epopeya que vivieron decenas de artistas españoles tras el golpe del dictador.

La muestra, organizada por la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC) y la Universidad de Zaragoza, en cuya producción ha participado la Universitat, recoge 200 piezas de autores como Óscar Domínguez, Luis Seoane, Rafael Alberti, Antonio Rodríguez Luna, Ramón Gaya o Josep Renau. Todas juntas, según explicó Brihuega, constituyen un mosaico muy variado de los distintos extrañamientos que sufrieron los artistas, ya que la muestra articula las obras por zonas geográficas y representa en sí una cartografía de todos los exilios. Especial énfasis se pone en México, que fue uno de los escenarios más intensos. Pero Suramérica y Europa también reúnen muestras de la fructífera producción de unos artistas que tuvieron que resignarse a ver su patria desde la lejanía.

En la muestra destacan los tenebrosos lienzos de Elvira Gascón, esposa de Fernández Balbuena. También los de Óscar Domínguez, los de José García Narezo, los de José Moreno Villa, las esculturas de Baltasar Lobo, los carteles de Josep Renau y los retratos familiares que hizo la mujer de éste, Manuela Ballester.

La selección, “dolorosa”, deja claro que “hubo muchas estéticas del exilio”, ya que no hay una corriente común a todos ellos. “Hubo artistas que optaron por hacer un parón melancólico”, cuenta Brihuega, “otros asesinaron a la belleza haciendo cuadros explícitamente feos mientras que varios se decantaron por el realismo y hubo quienes llegaron a Estados Unidos y descubrieron el nuevo centro de gravedad del arte mundial”. Pero en muchas obras hay un poco del ambiente de velatorio del cuadro de Balbuena, de la fractura que llenó de nostalgia sus vidas.

Qi Baishi se ubicó tercero en obras subastadas en 2009, detrás de Picasso y Andy Warhol.

El artista chino Qi Baishi, fallecido en 1957, se convirtió en el nuevo fenómeno del mercado del arte, al ubicarse tercero por el valor de las ventas de sus obras en subastas en 2009, después de Picasso y Warhol.

Según un informe de la organización Art Price, que ayer difundió el diario The Times , el valor conjunto de las obras de Picasso subastadas el año pasado llegó a US$ 121 millones, y las de Warhol se vendieron por US$ 106 millones, mientras que Qi totalizó US$ 70 millones. Art Price elabora sus informes con los datos de 6000 casas de subastas de todo el mundo. Hasta el año pasado, el artista chino más cotizado en Occidente era Zhang Xiaogang, un creador contemporáneo que llegó al vigésimo segundo lugar de la lista de Art Price en 2007.

Qi es un artista muy conocido en China, hijo de campesinos y sin educación formal en el arte, famoso por sus imágenes de animales y su maestría en el grabado.

Pero, más allá de sus valores artísticos, su reconocimiento creciente en Occidente deja en evidencia la influencia que ha adquirido China en el mercado del arte, que la ha llevado a convertirse en el tercer mercado artístico en volumen, detrás de Londres y Nueva York. De hecho, en 2009, mientras las mayores casas de subastas de esas ciudades sufrían el impacto de la crisis económica, el mercado chino se revalorizó de manera extraordinaria. El año pasado, 130 chinos tenían fortunas superiores a los mil millones de dólares. Las obras de Qi figuran actualmente en cualquier colección china de arte que se precie y los coleccionistas occidentales, atentos a estas tendencias, empiezan a incluirlo.

El año pasado, se vendió un 73% más de obras de Qi en el mundo que en 2008, gracias sobre todo a una venta realizada en noviembre, en la que una serie de dibujos llamada Flores e insectos cambió de manos por unos US$ 12,4 millones. El récord para una obra de Qi en Occidente corresponde a Melocotones y petardos , pintada en 1952, que se remató en Sotheby´s de Nueva York por 1,3 millones.

El propio Picasso elogió en su momento a Qi, a quien calificó como “el pintor oriental más importante” e incluso aseguró que no se atrevía a viajar a China por miedo a encontrarse con él y que opacara su propio arte. Qi nació en el seno de una familia campesina de la provincia de Hunan, en China Central, y desde adolescente practicó la caligrafía, la pintura y la poesía.

Más de 200 ejemplares de colección serán subastados en Morton.

En la mejor tradición de Casanova y el Marqués de Sade, el libro de ilustraciones de Escenas Galantes y Libertinas del Siglo XVIII (Scenes Galantes et Libertines des Artistes du XVIII Siecle) nos permite imaginar un recorrido por las formas en que la seducción y el escarceo expresaban las formas cultas del erotismo en una Francia en la que ya se adivinaba el arribo de un nuevo régimen; así, la estética amorosa, pretendidamente al margen de los buenos modales, encontraba acomodo para reclamar una libertad en escenas que seguramente escandalizaban y atraían al mismo tiempo a los lectores de ese tiempo hasta convertirse poco a poco en imágenes costumbristas.

Este libro, acompañado de Los Discvrsos de la Religión-Discvrso del Assiento del Campo y Disciplina Militar de los Antigvos Romanos, de Guillermo Choul en edición de 1509, así como del Atlas Nouveau Portatif. A la Usage des Militaires, de G. Le Rouge, en edición de 1748, es parte de los lotes de libros y documentos que serán subastados el sábado 27 de febrero por Morton, Casa de Subastas, en la Subasta de Documentos, Fotografías, Grabados, Libros Antiguos y Contemporáneros.

Además de los libros mencionados destacan también, para quienes la historia y los contenidos de la cultura de épocas anteriores cobran sentido, libros de arte, arquitectura y arqueología, biografías y bibliografías, así como documentos manuscritos y fotografías históricas.

La Subasta de Documentos, Fotografías, Grabados, Libros Antiguos y Contemporáneos, se llevará a cabo el sábado 27 de febrero a las 11:00 horas en Morton, Casa de Subastas, Monte Athos 179, Lomas de Chapultepec.

Más de 200 piezas de Charrería y Tauromaquia serán subastadas el próximo 24 de febrero en apoyo a las acciones que la Fundación Domecq lleva a cabo.

Como expresiones culturales, la charrería y el toreo en México han creado objetos exquisitos como ejemplo de su importancia dentro de las tradiciones y la vida cotidiana de nuestro país.

Y serán precisamente piezas de la mejor factura las que subastará Morton, Casa de Subastas el miércoles 24 de febrero en la Subasta de la Colección Casa Pedro Domecq, en la que el monto de lo vendido será usado para apoyar las acciones que la Fundación Domecq viene realizando para crear conciencia entre los jóvenes y la sociedad sobre el consumo responsable de bebidas alcohólicas.

Esta colección Domecq es un acervo, de los más importantes, de arreos de charrería y ajuares del toreo, así como de extraordinarias obras de arte con escenas del también llamado deporte nacional y de la fiesta brava entre las que destacan las pinturas de L. Bargallo, Juan Lara y Carlos Ruano Llopis, capotes de paseo, como el de ¨Manolete¨ y el de Rodolfo Gaona, o el traje de la corrida de despedida de Fermín Espinosa ¨Armillita¨, junto con trajes de torero, chaquetones, chaquetillas.

En lo que se refiere a la charrería, se subastarán monturas charras de gran gala elaboradas por el famoso maestro Jesús Medina Olea.

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Montenegro, Frida Kahlo, Botero, Rivera o Torres García se encuentran representados en la colección FEMSA.

Algunos de sus lienzos se pueden contemplar en la exposición “Latitudes. Maestros latinoamericanos”, que recorre el mundo mostrando 43 obras de artistas procedentes de once países de América Latina.

Enriquecer el diálogo y la reflexión que el arte puede propiciar es lo que ha contribuido a conformar una exposición que se presenta por primera vez en Europa, pero que ya ha recorrido Argentina, Brasil, México y Estados Unidos.

“Latitudes: Maestros Latinoamericanos en la Colección FEMSA” (Fomento Económico Mexicano, S.A.) es una exposición que plantea un recorrido desde las vanguardias de principio del siglo XX hasta algunas propuestas de la pintura de posguerra, llegando hasta los años 80 del siglo pasado.

Rosa María Rodríguez Garza, jefa del Programa Cultural FEMSA, es la comisaria de la exposición y comenta que alrededor de 300.000 personas la han contemplado ya. Ahora se puede ver en la Sala de exposiciones BBVA en Madrid, España.

FEMSA tiene un fondo artístico de 10 mil piezas y un compromiso permanente de dar a conocer el arte, una filosofía que comparte con la Fundación BBVA.

La presencia de la pintura mexicana entre 1914 y 2009 es notable en esta exposición. Sin embargo, son once nacionalidades las que están presentes en ella: Argentina, Cuba, Uruguay, Chile, México, Venezuela, Guatemala, Nicaragua, Colombia, Ecuador y Brasil.

“En la exposición se puede apreciar un conjunto representativo de los grandes de la pintura latinoamericana, además de un recorrido por los distintos lenguajes creados en Europa y traspasados a la pintura de estos artistas que los asimilaron añadiendo un toque muy personal”, explica Rodríguez Garza.

La comisaria señala la importancia de que, a pesar de las distancias que separaban a los artistas, todos ellos tuvieran puntos en común. “Los artistas latinoamericanos siempre se consideraban protagonistas de un todo, a pesar de los miles de kilómetros que les separaban”.

La muestra se divide en cinco ejes fundamentales: Influencia del cubismo en los pintores de América Latina, El retrato y el paisaje como testimonios de identidad, La aportación estética de Latinoamérica al arte universal, Incorporación del Surrealismo en la plástica latinoamericana y Abstracción e Informalismos.

EL CUBISMO

El Cubismo introdujo una revolución visual en la que participaron pintores y escultores que convergieron en París.

Pintores latinoamericanos como Diego Rivera o Ángel Zarraga destacaron como exponentes y teóricos del Cubismo. En la exposición se encuentra presente “El Grande de España (“El ángel azul”)”, llamado así, porque Rivera lo pintó en este país. El pintor mexicano tuvo una gran influencia de Picasso, al que le unió una gran amistad porque ambos coincidieron en París.

IDENTIDAD

En géneros tan tradicionales del arte como el retrato y el paisaje se pueden apreciar cómo los pintores descubrieron una manera distinta de expresar su realidad. Roberto Montenegro tuvo una importante influencia de la escuela vienesa Jügendstil, una circunstancia que se aprecia en el óleo “Retrato de Gabriel Fernández Ledesma”.

ESTÉTICA

Una de las mayores aportaciones historiográficas del arte latinoamericano es el muralismo mexicano. José Clemente Orozco y David Alfaro Sequeiros crean una propuesta visual con modernidad narrativa, además de significarse por la denuncia social en sus pinturas, una apuesta a la que más tarde se une también Diego Rivera. Aunque los lienzos seleccionados para esta exposición tienen un carácter más lírico.

En la exposición, al lado de estas obras, y por la espectacularidad de su tamaño, se encuentra un retrato de “Santa Rosa de Lima” de Fernando Botero, uno de los artistas vivos más cotizados.

SURREALISMO

En este apartado artístico las estrategias visuales que cada pintor utilizó fueron diferentes e incluso diametralmente opuestas.

Leonora Carrington, Frida Kahlo o Roberto Matta participaron de este movimiento en París o en Nueva York con la llegada de la segunda. Sin embargo, algunos de sus coetáneos conocieron el surrealismo vía indirecta.

El Surrealismo surge como una postura estética plural y heterogénea, en la que se incluyen rasgos culturales locales como es el caso de la pintura de Khalo o de Wifredo Lam.

ABSTRACCIÓN

La Abstracción y los Informalismos también se incluyen en las composiciones visuales del arte Moderno Latinoamericano.

El pintor chileno Francisco Matto inició La Escuela del Sur. Él y Joaquín Torres García perfilaron una propuesta visual basada en el estudio de simbolismos instados en culturas milenarias.

La comisaria de la exposición, Rosa Ma Rodríguez Garza, señala que estas 43 obras forman parte del patrimonio artístico de México y no ofrece un precio estimativo de la cuantía de las obras más valiosas que se exponen. “Su valor radica en eso”, no en su tasación económica.

Fuente: Milenio

En el marco de la FILPM el embajador de Chile en México aseguró que se trata de un ”diálogo prácticamente inédito en nuestra historia cultural”.

Sin la presencia del escritor Carlos Fuentes -orador principal, quien se declaró víctima de una fuerte bronquitis y una altísima fiebre- arrancó ayer el Encuentro de Escritores “Algún día en cualquier parte. Bicentenario. Letras de Chile y México”, que es definido como un espacio para pensar el pasado y avanzar ideas sobre el futuro de los dos países. 

En el marco de la Feria Internacional del Libro del Palacio de Minería (FILPM) de la capital del país, el embajador de Chile en México, Gerardo Guerrero, aseguró que se trata de un “diálogo prácticamente inédito en nuestra historia cultural”, pues por primera vez se reunirán más de 40 poetas, narradores e historiadores a propósito de las actividades de conmemoración del Bicentenario de la Independencia de ambas naciones.  Aseguró que este encuentro está basado en principios y valores comunes “para reflexionar sobre nuestra trayectoria histórica y sin olvidar el pasado, crear un nuevo horizonte de posibilidades”.

El encuentro que tuvo como primera actividad el desarrollo de una mesa de narrativa en la que participaron los mexicanos Juan Villoro, Sealtiel Alatriste y los chilenos Diamela Eltit y José Miguel Varas.  “La escuela de México se constituyó en un símbolo de la reconstrucción, de la solidaridad y de manera principal en un aporte cultural mexicano de primera magnitud, pues tiene murales de David Alfaro Siqueiros y Javier Guerrero, recientemente restaurados mediante un proyecto de cooperación chileno mexicano”, dijo el embajador.

Reflexiones

En la mesa de narradores, moderada por Rafael Tovar y de Teresa, los escritores combinaron reflexiones sobre el Bicentenario, pero sobre todo lecturas de sus obras; pero justo antes de que Juan Villoro iniciara su rápida intervención en la que leyó un cuento sobre un taxista chileno que le mostraba el Chicago-México, celebró la salida de Rafael Tovar y de Teresa de los festejos de 2010.

“Rafael Tovar es uno de los principales gestores culturales de México, hace algunos meses en un acto de valentía y de congruencia intelectual, renunció a encabezar los festejos del Bicentenario, me parece excelente que esté aquí en el Bicentenario de las palabras y de las ideas, y no de las pompas y de los dispendios”, dijo.

Los cuatro narradores de la mesa del Encuentro de Escritores plantearon a través de sus cuentos su mirada en torno a la Independencia. Eltit trató el tema a través de lo que todavía ese hecho histórico le debe a muchos grupos de personas, entre ellos los mapuches y las mujeres.

Ésta es la tercera ocación en la que se reedita este material.

Morelos y la Revolución de 1810, producción editorial escrita por el historiador e investigador Ernesto Lemoine Villicaña, fue presentada como parte de las actividades que Michoacán, estado invitado, ha programado en el marco de la XXXI Feria Internacional del Libro del Palacio de Minería, que es organizado la Facultad de Ingeniería de la UNAM.

Jaime Hernández Díaz, secretario de Cultura de Michoacán, y Martín Tavira Urióstegui, historiador, presentaron dicha obra, en el marco de los festejos por el Bicentenario de la Independencia y Centenario de la Revolución Mexicana.

Por su parte al tomar la palabra, Martín Tavira indicó que hizo un breve estudio sobre la obra de Lemoine Villicaña, al que calificó de morelista consumado.

Tras citar a Rafael Heliodo Valle, diplomático hondureño quien calificaba a Morelos como el genio político más grande de América, Tavira Urióstegui considera que esta apreciación es justa, pues el pensamiento de Morelos y su programa revolucionario demuestran que era un hombre que conocía las ideas de su tiempo, mismas que supo utilizarlas para forjar el nuevo estado mexicano.

Desde su ubicación social como sacerdote, hijo de una realidad dramática, prosiguió Tavira Urióstegui, Morelos nació y creció en un país saqueado en sus recursos naturales y en su dinero, asfixiado por una política de prohibiciones, conociendo la discriminación racial Y al resumir en su ser las tres etnias fundamentales, pudo palpar el sistema político intolerante de un gobierno en manos de extranjeros.

Contenido del libro

A manera de presentación de este texto, Leonel Godoy Rangel, gobernador del estado de Michoacán, explica que Morelos y la Revolución de 1810, es una publicación editada por tercera ocasión a través de la Secretaría de Cultura.

Indica además que en las últimas décadas, desde la primera edición, las corrientes historiográficas han modificado la visión de los sucesos y protagonistas de la Historia Nacional, y algunos de sus personajes más representativos han sido desmitificados, mientras que José María Morelos y Pavón y su obra, tema central de esta edición, permanecen inalterables.

El Gobernador de Michoacán refiere que el autor describe a Morelos como poseedor de un ideario político propio, conformado con las necesidades y problemas de la gente, por lo que en sus convicciones prevaleció la confianza en la libertad y en la soberanía del pueblo, por lo que se debe reconocer que, a pesar del tiempo transcurrido, casi todos sus postulados resultan aplicables.

Finalmente, el Ejecutivo estatal remarca que la lectura del presente libro adquiere mayor significado en este año, en que se celebran 200 años del inicio de la Independencia y 100 años de la Revolución Mexicana.

Por otro lado, ya en la edición de 1979, el entonces gobernador Carlos Torres Manzo habla del fervor patrio presente en la existencia, figura y sentir del Siervo de la Nación, explicando que Ernesto Lemoine Villicaña es un estudioso del proceso histórico independentistas de México y muy en especial de la figura del gran caudillo michoacano.

Por su parte, Martín Tavira Urióstegui precisa en el prólogo de esta obra, que Lemoine Villicaña es un historiador científico y un filósofo al relatar, interpretar y escudriñar sobre las causas de los procesos sociales y sus consecuencias.

Agrega que en sus libros, el autor asume compromisos en sus interpretaciones de los acontecimientos y en las hipótesis que formula, sin salirse del método científico.

Aunado a ello, Lemoine hace un estudio profundo y cuidadoso de los orígenes sociales del cura de Carácuaro y sigue la línea filosófica del materialismo histórico al ubicar a Morelos en el conjunto de las relaciones sociales, y al presentarlo como un hombre histórico, colectivo, en el entramado de las luchas de clases, es decir en un régimen económico y social como el de la colonia, en donde se daban los distintos grados y las más variadas formas de explotación.

Habla también de Miguel Hidalgo, hombre interesado en fomentar la industria y la artesanía así como la cultura. Se refiere a su persona como maestro nicolaita, con miras a entender a entender y situar a Morelos a nivel político para analizar sus orígenes sociales que incluyen el desarrollo de su infancia llena de pobrezas y carencias, conocedor, en sus juventud, de la vida rural y testigo de las desigualdades existentes en Valladolid, y su evolución hasta obtener una profesión que le daría seguridad en el turbulento momento que le tocó vivir.

Por otro lado en esta tercera aparición de Morelos y la Revolución de 1810 se integran los prólogos de las ediciones de 1984 y 1979 escrita por Ernesto Lemoine en los que habla sobre sucesos trascendentes sobre la derrota sufrida por Morelos en Valladolid-Puruarán y cómo, según sus propias apreciaciones, entre fines de 1813 y principios de 1814 se perdió la revolución de 1810.